陆文来，男，民族：汉，党派：中共党员。年生于北京市，年毕业于天津美术学院。现任天津市美术中等专业学校，美术专修学院教研室主任、教授，中国工艺美术协会会员，中国美术家协会天津分会会员。天津市水彩艺术委员会理事，国家职业技能鉴定高级考评员。多年来一直从事水彩、油画创作和研究，并多次参加市级及全国美展，受到专家的认可及大众的好评。
主要作品：
水彩人物画《凯旋》于年5月入选天津市第十届美术作品展并获铜奖；
水彩画《牧归》，《老家》于年6月入选天津水彩60年作品展（以上两幅画已被私人收藏）。
水彩画《持琴少女》于年9月入选亚细亚国际水彩画展（该画已被私人收藏）。
油画《第一时间》于年10月入选教育部职教系统书法美术作品展，荣获一等奖。
主要著作：
30多年从事美术教学工作，积累了宝贵的教学经验。
年6月主编的《素描教程》和年3月主编的《色彩教程》作为国家十二五计划规范教材，已由人民美术出版社出版发行。
年2月又为中国劳动和社会保障出版社主编《速写》和《风景速写训练》全国职业院校教材。分别于年6月和年3月出版发行。
天津玲珑阁文化传播有限公司在：年10月12日成功举办了“陆文来水彩作品展”。展示了他十几年来60余件作品，展览获得圆满成功。受到天津美术界及水彩画专家的好评。其作品风格清新，功力扎实，题材广泛，贴近生活，水彩语言丰富，受到大众的喜爱。
那山·那水·那人
——观陆文来水彩画
文/董振涛
在中国，真正从事水彩画艺术实践的画家不是很多，原因可能认为水彩画是个小画种。其实不然，这是个误区。在西方，水彩画的地位是可以与油画相提并论的。
《原野》52x42cm
早在十四至十五世纪时，欧洲就已经有了水彩画的雏形。到近三四百年前，水彩画的历史也已载人了人类绘画的史册。在十六、十七世纪的欧洲，画家们开始重视自然的写实精神，而常以风景写生的方式来捕捉大自然所赋予的美感。水彩正是进行这种艺术过程的最好、最简便的绘画形式。
《查济写生之一》38x27cm
因此，水彩画经由德国画家丢勒等人的影响，逐渐被较多的人所运用。特别是十七世纪中的一些荷兰画家，更致力于把水彩视作与油画同等看待的艺术，并全力研究其特殊技法，进而逐渐传到英国，促成了十八世纪英国水彩画的兴盛。
《江南春光》48x34cm
法国的水彩不像英国直接受荷兰的影响，则是在自己油彩宗教肖像画的基础上而延伸过来的。十八世纪的法国水彩画是透明与不透明相结合的绘画模式，是在发扬淡彩插图的同时，吸收了英国水彩的部分特点而形成了自己的水彩画面目。
《又绿江南岸》49x37cm
另外，在德国、瑞士等欧洲其他国家，由于人文主义所带来对大自然的探索与写实的精神，而水彩画因其携带方便和多样表现形式的优点，越发受到欢迎。随着水彩画逐步地深入人心，其作品也展现给人们轻松、明快独立的艺术魅力和价值。在十九世纪的俄国，巡回展览协会（通称巡回画派）的出现为俄国绘画展现了辉煌的篇章。巡回画派的克拉姆斯柯依、列宾等一批画家对中国的油画产生了巨大的影响。当时这些大师们创作的巨制，在起稿和收集素材时，大都采用水彩方法。
《冬日阳光》72x50cm
作为世界上古老的画种之一,水彩画在西方的地位是可想而知的。
在中国，当西方绘画进入后，水彩画只是作为专业美术院校基础教学的一部分，在学习西画的师生中研习、探索。社会上的极少数画家，也有所涉猎。他们创作出的作品，都是小幅的习作。因此，水彩画就给人留下了“小画种”的印象。
《渔之家》x70cm
正因为这种印象，能与水彩画结缘的中国画家，相对涉足中国画的人，是少之又少了。故此，我敬佩坚守在水彩画领地的画家们！
陆文来也是我敬佩的一位水彩画家。
《查济写生之二》38x27cm
我与陆文来是天津美术学院的校友，又曾经是天津美术学校的同事，接触时间较长，了解也较深。去年十月，他搞了《陆文来水彩画展》，约我撰写一篇文章。然而拖到现在，才开始动笔，颇感歉意。其实不是笔者懒散，而是太了解他了，要写的东西太多了，于是不知何取何舍，何处下笔。
《查济写生之三》48x37cm
我以为，艺术家要具备多方面的才能，要有对自然、对生活的敏锐感受。要有与生俱来或后天修炼的艺术潜质，还要有抱诚守一的执着精神。这一切，陆文来有之。
《古村落》48x37cm
记得一年秋天，我与文来在新开河耳闸那个地方写生，我已经坐下起稿了，他还在转来转去。等我画到将近完成时，起身去看他的画，我惊住了，他那奇特的构图，大胆的取舍以及潇洒的笔法，给我留下了极深的印象。
《我的家》72x56cm
文来平时话语不多，但很幽默，在表达那些使人愉悦的话题时，仍显得颇为深沉。如此我联想到了他的画作，《我的家》画的是一间农舍，一大面围墙和一面房山，画家采用一块块色彩拼凑的方法将其处理的极为生动。用笔灵活跳跃，色彩既变化又调和，轻松的色块构造了坚厚的视觉效果。画家给这幅画的右下角添了一只小狗，就是这一笔，给画作平添了无限生机。
《泊》52x42cm
《泊》亦是如此，画面就是停放在水边的两只船（虚出的只是陪衬），除了在处理船的形体时，色彩生动、造型准确外，真正点睛之笔是那竖起的木桅杆和那块红色。从绘画理论讲，那个木桅杆是起“破”的作用，它打破了画面过于平衡的呆板，起到了变化的作用。画中的那块红色，也是在“破”，破画面过于协调无变化的平淡效果，画家在大面积的冷色调里放置一点暖色，进而产生了不同的视觉感觉。这两处“破”，就如同相声段子里抖出的“包袱”。
《查济写生之四》48x37cm
对于画作的处理，很大成度显示了作者的文化修养。许多画家在给自己作品起名字时，尽是“少女”、“拉小提琴的少女”、“村口”等等，太直白，似图解。同样的作品，文来的命名就不同。他画的拉小提琴的少女名为《心弦》，少女拨动着琴弦若有所思，驱人联想。他画的村口名为《晌午》，画面中作者倾心对晌午阳光的塑造，将正午的阳光极大限度地收拢于画中，给观者另一种美的境界。
《晨曲》68x52cm
纵览文来的画作，他的创作手法很多，不同的表现对象，用不同的处理方法。正如刘勰在《文心雕龙》中谈写作方法时说“因情立体，即体成势”，如此才能避免千人一面，千画一法的尴尬状态。观文来画作，虽都是人物题材的作品，画少数民族与画小提琴手的表现方法就不同。虽是风景题材，《晨曲》、《牧归》、《原野》画得轻松流畅；而《山中的岁月》、《太行深处》、《熄火的锅灶》就深沉厚重。因此，欣赏文来的作品，不会使人厌倦，他的每一幅作品，都可将观者带到他曾经挥笔驰神的地方。他的作品给人最大的吸引力，不在于那些水彩画技法，而是在比技法更高更深的艺术思想。
《熄火的灶台》76x52cm
若真的涉足于绘画方法，笔者要说的是，决定画作的一大命脉——虚实关系。许多画家作画，面面俱到，生怕遗漏什么，这是最为要命的毛病。当我们的目光在文来画作上流寻时，不难发现，那精美笔法和感人色彩的处理，只是一部分，不是画面的全部。这点写实的部分，只能给观者美感，乃某种绝妙技法的美感。真正给观者全面的意境美的，应该是包括占一定比例的“大虚”部分。《我的家》烘托农舍的那些最暗、灰暗滃泛的色彩，看似随意，然而它给予大家的是无限的想象空间。这样的想象，将人的思绪引入了各自的审美意境，其艺术的魅力是巨大的，是思维正常人所不能抗拒的。
《牧归》x76cm
《牧归》远处深沉的绿树把前面既清楚又显亮的石阶，衬托得实实在在，有一种使人拾级而上之感。石阶引人向上，而观者的目光连同思维，一并进入到了绿树丛林的深处……它又驰骋了人们的想象空间。这就是“虚”的作用，国画家张大千的山水画，那些泼彩泼墨的部分，就是在作“虚”，就是画家给观者设置的联想空间。无论中国画还是西方绘画，人们视觉审美，不是只需“实”，还要有“虚”的视觉补充，有时这种补充还具有更大的艺术功用。
《老家》46x36cm
文来的画作，除了“虚实”关系，“明暗”、“松紧”、“强弱”等等艺术相辅相成的辩证关系，都处理的极为得体，自然地融于画作。故此，笔者必有挂一漏万之嫌。因为，真正的艺术作品，不应是肤浅的即兴而为，而是由不断的思考到实践的反复过程最后形成高度成熟的结果。文来那些看似轻松的画作，都是经过这种艺术历程的所得。
《查济写生之五》48x37cm
造化之美是客观存在的，无处不在。它展现给人们的同时，也审视着接触它的人的扑捉能力。艺术就是人对现实审美关系的最高形式，它是从事者为了体现和阐明各自审美观点、审美理想而形成的精神活动结晶。文来的水彩画写生创作过程，极大限度地展示着他敏锐的观察与扑捉能力，尽情地驰骋他的思维和构想，他所展出的艺术佳构，就是对此最好的诠释。
《太行深处》69x52cm
此文尚未搁笔时，听说陆文来又外出写生了，笔者断言，他定会带回一批令人怡情悦性的水彩画作品。我们期待着，陆文来绘画艺术日臻完美，给我们展现出更多更美的那山、那水、那人……
《阳光下的古村落》48x37cm
《老宅子的记忆》48x37cm
《秋色》54x42cm
陆文来作品欣赏
《苗族丽人》72x50cm
《琴思》65x46cm
《维族女教师》48x37cm
《天籁之音》70x51cm
《春芽》72x50cm
《第一时间》x90cm
《博弈》69x52cm
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